Análisis a través de CIUDADANO KANE, película dirigida, escrita, producida y protagonizada por el Estadunidense Orson Welles, considerada como una de las obras maestras de la historia del cine.
Con la invención de la cámara fotográfica se pensó en la decadencia de las otras prácticas consideradas arte, el hecho de que un objeto captara en un instante todo detalle del mundo, hacía creer que este bello arte se convertiría en el más sobresaliente en un futuro, sin embargo, estaba siendo pensado como algo que tan solo representaba la realidad, no obstante, las ideas y sentimientos del autor pasaban a un segundo plano.
La fotografía entendida como arte, es algo más que la mera copia de la realidad, ésta habla por sí sola, posee un lenguae propio en donde se crea un juego apasionante de percepciones e interpretaciones.
A comienzos del siglo XX ya muchos fotógrafos considerados artistas, planteaban la fotografía como algo que va más allá que la simple copia de la realidad, por el contrario encontraban en ella una manera de expresar y mostrar su mundo interior, algo así como el verso libre, que permite divagar, pensar, conocer y mostrar sin que la sonoridad se manifieste abruptamente, puesto que ella implícitamente y de manera muy sutil, se incluye dentro de los versos, obteniendo resultados armónicos, así mismo, la fotografía a través de sus encuadres, iluminación, color y textura encuentra resultados propios y a su vez armónicos que conllevan a una subjetividad libre, vista como aquello que el autor y el espectador interpretan de la obra.
La cámara capta un momento pero no una realidad, y es que si la fotografía fuese una copia de ésta, sólo porque en el papel vemos un paisaje o una persona que existe realmente, entonces, diríamos analógicamente que el cine de autor sería una copia, sombra o autobiografía del director, en donde el trabajo a realizar sería mínimo, transcribir bajo el formato de guión la vida del director, proceder a la grabación y terminamos, así pasaría de ser arte para convertirse en algo simplemente comercial, sin profundidad ni trascendencia y sin embargo sabemos que no es precisamente éste el objetivo de dichas películas.
Así pues, llegamos al cine, al estudio de éste y la integración de la fotografía en él, entendiéndolo como arte y como mensaje estético, analizando que los elementos fotográficos dentro de un film funcionan como imágenes en movimiento, las cuales en muchas ocasiones durante la proyección de la cinta van acompañadas de musicalización, que según la teoría psico-estética de Jean Mitry, y como aporte secundario de la misma, resalta la relación entre imágenes y sonidos, las cuales se consideran herramientas básicas para toda película, ya que éste permite la posibilidad de revelación poética, y se considera el mejor medio para lograr una significación simbólica, teniendo en cuenta que el sonido no deberá repetir lo que la imagen muestra, de igual forma la música permite la creación de estilo y captación del espectador, generando en él todo tipo de emociones.
De esta manera no sería lo mismo ver a Natasha y Alba, protagonistas de la película Habitación en Roma, encerradas en un cuarto durante todo el transcurso de la cinta, sin la melodiosa voz de Russian Red, intérprete de las canciones que forman parte de la banda sonora.
De esta manera no sería lo mismo ver a Natasha y Alba, protagonistas de la película Habitación en Roma, encerradas en un cuarto durante todo el transcurso de la cinta, sin la melodiosa voz de Russian Red, intérprete de las canciones que forman parte de la banda sonora.
Por otro lado, Roland Barthes, escritor, ensayista y semiótico Francés, nos obsequia unos interesantes documentos a los que ha titulado, el Mensaje Fotográfico y la Retórica de la Imagen, en el que afirma que estas poseen un "mensaje secundario", el cual puede darse a conocer a través de herramientas utilizadas como trucajes, poses, objetos, fotogenia entre otros.
Ciudadano Kane, película producida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles y considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, posee ciertos elementos que afirman lo escrito por Roland Barthes, a manera de ejemplo se citará aquella escena en la que el protagonista Charles Foster Kane se encuentra a punto de fallecer, se hace una toma en primer plano que enfoca su mano en la que tiene aferrada una bola de cristal, en cuyo interior existe una casa rodeada de nieve, al morir Foster deja caer la bola pronunciando la palabra Rosebud, la cual se convertirá en el enigma a desarrollar durante todo el film.
La paradoja fotográfica expresada por el mismo autor trae consigo la interpretación de imágenes con códigos y sin códigos, igual a nivel connotado y denotado, el primero de ellos y siguiendo con el ejemplo, hace referencia a lo que se ve más allá de lo que la simple imagen muestra, es decir, al mejor estilo de la vida perfecta de un pingüino atrapado en una bola de cristal, Foster recuerda su niñez como aquella etapa en la que en su casa rodeada de nieve jugaba con un trineo (Roseburd), feliz, junto con su familia y lejos de preocupaciones, queriendo al final de su vida volver a esa época, y necesitando reencontrarse con sus padres, de esta manera la casa atrapada en la bola de cristal, termina convirtiéndose en la casa de su niñez.
Por el contrario el segundo, nos muestra la imagen o fotografía como una copia de la realidad-la muerte de Foster- pero no nos resuelve la incógnita de su última palabra.
Ahora bien, en el mensaje denotado se halla la interpretación de las imágenes tal y como son, queriendo decir esto que la reportaría gráfica, haciendo énfasis básicamente en los acontecimientos sociales y en los tiempos de guerra, funciona como copia de la realidad, ya que se trata de captarla tal y como es, sirviendo la fotografía como muestra a la sociedad de la barbarie y el horror del momento, para que se llegue a una toma de conciencia, ejemplo tal se puede apreciar en la fotografía ganadora del premio Pulitzer de Nick Ut, en donde quien admira u observa la imagen logra sentir lo que los niños que aparecen en ella están viviendo, tras el ataque cercano de napalm en Trang Bang, durante la guerra del Vietnam.
Transportando lo anteriormente dicho al cine, nos remitimos al documentalista Dziga Vertov, en su teoría El Cine-Ojo, en la que se pretende captar la realidad tal cual como se presenta, rechazando todo tipo de decoración, actores profesionales y puesta en escena que se pueda realizar, y considerando a su vez que el lente de la cámara ve más de lo que el ojo humano puede ver.
Ahora bien, en el mensaje denotado se halla la interpretación de las imágenes tal y como son, queriendo decir esto que la reportaría gráfica, haciendo énfasis básicamente en los acontecimientos sociales y en los tiempos de guerra, funciona como copia de la realidad, ya que se trata de captarla tal y como es, sirviendo la fotografía como muestra a la sociedad de la barbarie y el horror del momento, para que se llegue a una toma de conciencia, ejemplo tal se puede apreciar en la fotografía ganadora del premio Pulitzer de Nick Ut, en donde quien admira u observa la imagen logra sentir lo que los niños que aparecen en ella están viviendo, tras el ataque cercano de napalm en Trang Bang, durante la guerra del Vietnam.
Transportando lo anteriormente dicho al cine, nos remitimos al documentalista Dziga Vertov, en su teoría El Cine-Ojo, en la que se pretende captar la realidad tal cual como se presenta, rechazando todo tipo de decoración, actores profesionales y puesta en escena que se pueda realizar, y considerando a su vez que el lente de la cámara ve más de lo que el ojo humano puede ver.
Por otro lado, si bien es cierto, que la fotografía tiene su propio lenguaje, también lo es y en palabras de Jean Mitry teórico francés , crítico y director de cine, que antes de ser fotografía el realizador debió trabajar con la realidad, pero después de habérsele hecho algún tratamiento a la misma, es el espectador quien le da el sentido a dicha imagen.
Retomando la película ciudadano Kane, traigo a colación la típica imagen en donde aparece Charles Foster dando su discurso y a su espalda se refleja un gran cartel de su cara, la realidad con la que entra a jugar el director de fotografía es Foster dando su discurso, pero el tratamiento que le da a la misma, es decir, el contrapicado que hace contribuye a que el personaje se vea más grande y poderoso, lo que hace que el espectador le dé un sentido diferente a la fotografía.
De esta manera entramos a otra técnica utilizada a lo largo de la película, la profundidad de campo, la cual normalmente es entendida como el enfoque principal que se le da a un objeto o persona, dejando el resto del encuadre de manera borrosa, en esta cinta, dicho concepto es transformado y mantiene enfocados todos los objetos que están frente a la cámara sin darle prioridad a ninguno, lo que hace que el espectador decida dónde centrar su atención; esta técnica ayuda a crear la impresión de inmensidad de espacio que puede hacernos ver a Kane como una enorme figura, grandiosa o extremadamente distante y solitaria.
De otro lado, hablamos de una fotografía con lenguaje autónomo en la que se juega pero no se emite lo real, es decir, a través de técnicas el artista hace experimentos con objetos reales agua, vientos, luz, velocidad, colores, entre otros, obteniendo como resultado algo abstracto que lógicamente va a hablar por sí solo.
Teóricos de cine cómo Jean Mitry rechazan éstas fotografías afirmando que el ritmo abstracto se aproxima a otras artes visuales, y por consiguiente se pierde, en cuanto al cine se refiere, el estilo natural de éste.
Ahora bien, si entendemos el arte como creación, así mismo entenderemos que la fotografía entendida como arte no es la mera copia de la realidad, sino la transformación de lo observado, dependiendo de la perspectiva e interpretación que el espectador haga de la obra.
Retomando la película ciudadano Kane, traigo a colación la típica imagen en donde aparece Charles Foster dando su discurso y a su espalda se refleja un gran cartel de su cara, la realidad con la que entra a jugar el director de fotografía es Foster dando su discurso, pero el tratamiento que le da a la misma, es decir, el contrapicado que hace contribuye a que el personaje se vea más grande y poderoso, lo que hace que el espectador le dé un sentido diferente a la fotografía.
De esta manera entramos a otra técnica utilizada a lo largo de la película, la profundidad de campo, la cual normalmente es entendida como el enfoque principal que se le da a un objeto o persona, dejando el resto del encuadre de manera borrosa, en esta cinta, dicho concepto es transformado y mantiene enfocados todos los objetos que están frente a la cámara sin darle prioridad a ninguno, lo que hace que el espectador decida dónde centrar su atención; esta técnica ayuda a crear la impresión de inmensidad de espacio que puede hacernos ver a Kane como una enorme figura, grandiosa o extremadamente distante y solitaria.
De otro lado, hablamos de una fotografía con lenguaje autónomo en la que se juega pero no se emite lo real, es decir, a través de técnicas el artista hace experimentos con objetos reales agua, vientos, luz, velocidad, colores, entre otros, obteniendo como resultado algo abstracto que lógicamente va a hablar por sí solo.
Teóricos de cine cómo Jean Mitry rechazan éstas fotografías afirmando que el ritmo abstracto se aproxima a otras artes visuales, y por consiguiente se pierde, en cuanto al cine se refiere, el estilo natural de éste.
Ahora bien, si entendemos el arte como creación, así mismo entenderemos que la fotografía entendida como arte no es la mera copia de la realidad, sino la transformación de lo observado, dependiendo de la perspectiva e interpretación que el espectador haga de la obra.
